ESPURIAS / Francisco Uzabeaga

Francisco Uzabeaga es un destacado artista visual que se ha dedicado de manera incansable a la pintura. Sus estudios comienzan en la Universidad de Chile, espacio de enseñanza artística con un fuerte componente y acento en la pintura –pasaron por sus aulas y sus cátedras personajes de la talla de Adolfo Couve–.  Allí aprendió el arte de pintar: telas, bastidores, pinceles, pigmentos, aglutinantes, caballete y horas de taller. Su trabajo es meticuloso ya que produce sus pinturas con la antigua técnica de la cuadrícula: sobre una imagen se proyectan una serie de líneas verticales y horizontales equidistantes, que se trasladan a la tela. Si bien es utilizada para pinturas murales, y grandes dimensiones ya que tiene la virtud de variar los tamaños, tiene como objetivo principal corregir los errores de la traslación.

¿Qué imagen se elige para ser reproducida nuevamente? ¿qué significa un “error” en la traslación? ¿qué sería el original y la copia? El artista posee distintos repertorios visuales donde eligió estas imágenes, por un lado, la revista Icarito. En ella aparecían las más importantes obras del arte del mundo occidental, pero mal impresas: descorridas, sin dimensión, recortadas; un sin fin de “errores” que Uzabeaga utilizó para la creación de sus primeras pinturas que poseían el borde blanco para emular el enmarque de las imágenes de las revistas. Por otro, las enciclopedias Salvat, específicamente sus especiales de cine, que contenían fotogramas que concentraban el punto exacto de tensión de la película.  Estas últimas imágenes estaban construidas bajo la técnica del Technicolor: un color inventando por el cine en 1916 y que se utilizó en el cine de Hollywwod entre 1922 y 1952. Colores saturados –tal como observamos en el “Mago de Oz”– que partieron en dos colores (rojo y verde) y que posteriormente incluyeron el azul, la pesado y caro de las cámaras, y además la limitación de crear vestuarios, decorados y maquillajes hizo que desapareciera.

En “Espurias” podemos observar maravillosas pinturas que combinan todos los métodos del artista en su investigación visual y su forma de pintar. Por un lado, imágenes de la historia del arte extraídas de la Revista Icarito por ejemplo el caso de “Ofelia” de Millais. Una impresionante imagen de la trágica muerte de Ofelia –la amada de Hamlet–, que aparece en la revista con un close up en su rostro y cuerpo y en blanco y negro, Uzabeaga la tradujo tal como se veía en la revista.. Posteriormente reprodujo una serie de obras sacadas de fotogramas de revistas de películas de Hollywood, donde los rojos, naranjos, verdes y azules luchan por el protagonismo en la escena –al igual que las estrellas Judy Garland y Marilyn Monroe– o en las versiones más contemporáneas donde Kirsten Dunst hace una caprichosa María Antonieta bajo el lente de Sofia Coppola. Otras imágenes inundan la exhibición con su precisión y carisma visual a través del laborioso trabajo en blanco y negro: parejas famosas del cine son descontextualizadas y detrás de ellas se asoman pinturas de Velásquez, Durero y Leonardo, son reproducciones de reproducciones que habitan de manera equilibrada y sofisticada unas con otras: el peso de la obra se absorbe por el peso del papel mural y los cuerpos que sirven de figuras para los saturados fondos.

Es interesante pintar hoy en día. Muchos artistas contemporáneos lo consideran poco contemporáneo: la ansiedad de hablar del presente y adelantarse al futuro, de tratar de parecer raros, avanzados, sofisticados, ha producido que mucho arte contemporáneo se haya transformado en algo completamente sin sentido, liviano y paradójico. Francisco Uzabeaga trabaja con la pintura una tradición que no se corta –que es imposible de hacerlo ya que lleva milenios– y como forma crítica instala las principales obras de los artistas modernos que abrieron el paso al arte contemporáneo en sus pinturas. Por ejemplo el urinario de Duchamp habita en dos, se ubica en unas mesas como si fuera parte de la colección de los decorados, esta obra clave como ready made abrió lo novedoso, con artistas excepcionales que reinventaron el código del objeto encontrado creando experiencias fabulosas para el espectador, y también el fin: un fórmula para artistas que hoy se identifican con todo lo que sucede y copian y copian: poses, artilugios –algunos se sienten sanadores new age– y con el fin de aparecer y, por qué no decirlo, vender. Uzabeaga juega con los originales y las copias, con la copia de la copia, al punto de que nos perdemos en la cadena, pero nos encontramos con pinturas que emocionan, que nos hacen abrazar el gusto por el arte y que siguen mostrando como la pintura es un arte que jamás ha muerto y que revive nuevamente en esta exposición.

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#ReciclarEsUnArte

La exposición #ReciclarEsUnArte está compuesta por 24 obras, confeccionadas con materiales reciclados o reutilizados, ganadoras y menciones honrosas del Concurso #ReciclarEsUnArte realizado en por CCU en el Arte en conjunto con Chile sin Basura 2040.
El concurso se realizó en dos modalidades, para público general  y para hijos y trabajadores de la compañía. La invitación fue a crear una obra únicamente con residuos, en temática y formato libre. Esta iniciativa buscó promover la creación artística y el reciclaje,  para incentivar y reforzar en las personas una cultura en torno a los hábitos de reciclaje.  
Es en este sentido donde el arte se convierte en un medio de transformación donde podemos poner en valor temas tan importantes como estos, creando  conciencia y reflexión; y donde a partir de la creatividad se logra la resignificación de los materiales.
La convocatoria estuvo abierta a niños y adultos de todo el país continental y contó con tres categorías: Niños, para participantes hasta los 10 años; Jóvenes, para personas entre 11 y 18 años, y Adultos, para mayores de 18 años y los ganadores fueron elegidos por un jurado multidisciplinario.
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ESPURIAS

Francisco Uzabeaga es un destacado artista visual que se ha dedicado de manera incansable a la pintura. Sus estudios comienzan en la Universidad de Chile, espacio de enseñanza artística con un fuerte componente y acento en la pintura –pasaron por sus aulas y sus cátedras personajes de la talla de Adolfo Couve–. Allí aprendió el arte de pintar: telas, bastidores, pinceles, pigmentos, aglutinantes, caballete y horas de taller. Su trabajo es meticuloso ya que produce sus pinturas con la antigua técnica de la cuadrícula: sobre una imagen se proyectan una serie de líneas verticales y horizontales equidistantes, que se trasladan a la tela. Si bien es utilizada para pinturas murales, y grandes dimensiones ya que tiene la virtud de variar los tamaños, tiene como objetivo principal corregir los errores de la traslación.

En “Espurias” podemos observar maravillosas pinturas que combinan todos los métodos del artista en su investigación visual y su forma de pintar. Por un lado, imágenes de la historia del arte extraídas de la Revista Icarito por ejemplo el caso de “Ofelia” de Millais. Una impresionante imagen de la trágica muerte de Ofelia –la amada de Hamlet–, que aparece en la revista con un close up en su rostro y cuerpo y en blanco y negro, Uzabeaga la tradujo tal como se veía en la revista.. Posteriormente reprodujo una serie de obras sacadas de fotogramas de revistas de películas de Hollywood, donde los rojos, naranjos, verdes y azules luchan por el protagonismo en la escena –al igual que las estrellas Judy Garland y Marilyn Monroe– o en las versiones más contemporáneas donde Kirsten Dunst hace una caprichosa María Antonieta bajo el lente de Sofia Coppola. Otras imágenes inundan la exhibición con su precisión y carisma visual a través del laborioso trabajo en blanco y negro: parejas famosas del cine son descontextualizadas y detrás de ellas se asoman pinturas de Velásquez, Durero y Leonardo, son reproducciones de reproducciones que habitan de manera equilibrada y sofisticada unas con otras: el peso de la obra se absorbe por el peso del papel mural y los cuerpos que sirven de figuras para los saturados fondos.
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Sala de Arte CCU Virtual 2021

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CIUDADES UTÓPICAS

En “Ciudades Utópicas” exhibición virtual en CCU el artista Leonardo Portus combina los registros fotográficos y dibujos de dos proyectos anteriores: “Esta será mi casa cuando me vaya yo?” (Sala Gasco, 2012) y “Estación Utopía” (MAVI, 2014).

En el primero construye maquetas de conjuntos habitacionales ficticios basados en la vanguardia que se produjo a principios del siglo XX. Estos movimientos deseaban unir los binomios arte y vida, dejando de lado el arte tradicional (la pintura y la escultura), integrando el arte en la vida de las personas a través de su aplicación en la vida diaria: en la construcción, el diseño industrial, la gráfica, entre otros, fueron los soportes y fuentes de comunicación para crear cambios en el mundo social. Portus se concentró en el retorno a este periodo, reinventando edificios para un cerro en Valparaíso, departamentos de la Villa Portales, unos dúplex en la comuna de Recoleta, bloques biomorficos venidos de Rusia en los sesenta y un conjunto que se asemeja a una colmena. ¿Son edificios? ¿Son esculturas? Son retablos, maquetas, que operan como un caballito de juguete al tratar de traer a la vida lo ausente, lo inconcluso y lo utópico que significó reunir los conceptos arte y vida. Estas miniaturas las llevó a su patio y las registró encuadrando el cielo azul y los efectos de la luz. Las fotografías funcionan como una trampa al ojo, confundiendo al espectador frente a los límites de la realidad y la ficción.

En el segundo, “Estación Utopía”, propone –en palabras del artista– un viaje a la tierra de nunca jamás. El proyecto nace a partir de una investigación en torno a la arquitectura moderna que se iba a instaurar en Chile en la década de los sesenta, específicamente en el proyecto del Metro de Santiago. Su corte, hizo que el artista reimaginara su continuidad creando tres estaciones: Violeta Parra (actual metro San Pablo), Pablo Neruda y Gabriela Mistral. Cada estación la realiza en miniatura, una combinatoria entre retablo y maqueta, pintura y escultura, artesanía y diseño; tres espectaculares piezas que incluyen un vitral de Frank Stella, una supuesta obra de Matilde Pérez –hecha con luces que se utilizan para los árboles de navidad–, un mural de Roberto Matta, las fases de la luna, el código Fibonacci, etc. También incluye fotografías inimaginables: cómo un gigante introduce la cámara en cada maqueta, capturando ilusorias tomas que son imposibles de hacer en edificios reales.



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RADIOGRAFÍA DEL CORAZÓN CHILENO EN PANDEMIA

Lacaracola A Ser Feliz es una fundación creada por Carolina Galaz en enero de 2016.
Tiene por misión desarrollar en niñ@s y adolescentes con cáncer, atendidos en la red de salud pública, la expresión emocional y la creatividad a través de la metodología Lacaracola aplicada como arteterapia.
En convenio con el hospital Dr. Luis Calvo Mackenna, y Hospital Roberto del Río, la fundación trabaja en sus respectivas unidades de oncología en equipo con la unidad psicosocial de cada establecimiento, atendiendo alrededor de 300 niñ@s y jóvenes al año.

Producto de la pandemia, nuestra labor ha dejado de ser presencial y hemos sido testigos de cómo el mundo ha tenido que vivenciar el aislamiento que nuestros niñ@s viven durante su tratamiento, es por esto que para la presente exposición además de nuestros pacientes hemos invitado a más personas: médicos, enfermeras y técnicos de hospitales, artistas emergentes, emprendedores, estudiantes universitarios, familias en cuarentena y más. Enviamos 70 obras a domicilios y casas de acogida para ser intervenidas de forma artística, creativa y libre transformando el corazón en el suyo propio, sintiendo que al pintar, amarrar, desarmar, pegar, unir, romper, agrandar, achicar y expandir representando el corazón de todo un país.

Agradecemos sinceramente a [email protected] [email protected] participantes. Soñamos con ver todos estos corazones transparentando el sentir, haciendo una radiografía de los corazones de Chile.
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DESECHOS MODERNOS

El destacado artista Carlos Navarrete presenta Desechos modernos una exposición virtual que reúne el registro de un trabajo que comenzó en 2014 en Cali, Colombia, y que volvió a reinventarse en 2020 en el MAM de Chiloé, construyendo una instalación conformada por un jardín con desechos y plantas nativas. Además veremos una serie de fotografías que el autor realza en sus caminatas por la ciudad de Santiago, encontrando situaciones artísticas que rescata con su lente, revelándonos la belleza de las formas y geometrías de elementos insignificantes e invisibles.
Carlos Navarrete, (Santiago de Chile,1968). Formado como pintor en la Escuela de Arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile (1988-1992). Perfeccionó su carrera artística en el Centro de Arte Contemporáneo (CCA) de Kitakyushu, Japón en el período académico 2000 - 2001, tomando parte en el “Research Program” de esa institución. Posteriormente en 2001 la Fondazione Ratti en Como Italia, lo consideró para el Corso Superiore in Arte Visiva a cargo de Marina Abramovic. Desde el año 1990 su obra se ha exhibido en diversas ciudades de Chile y el mundo: Cleveland State University Art Gallery (EUA), Stedelijk Museum voor Aktuele Kunst, (Bélgica), Galeria Florencia Loewenthal (Santiago), Centro Cultural Matucana 100 (Santiago), la 28 Bienal Internacional de São Paulo y en la II Trienal Poli Gráfica de San Juan, Puerto Rico.
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IMAGINO EL MAR

Hoy es urgente pensar las relaciones entre la noción de lo humano y la naturaleza. El primero por su responsabilidad respecto a su entorno, y la segunda por su cualidad pasiva y dominada, el enunciar algo como “natural” se convierte en un objeto posible a explotar, cuestión que la artista visual Fiorella Angelini reflexiona en sus distintos trabajos que toman a la fotografía como medio, pero que se convierte en otra cosa al experimentar sus límites físicos mezclados con técnicas del collage.

En “Imagino el mar” propone una selección de sus principales trabajos producidos desde 2015 hasta la fecha. El recorrido comienza con la obra “Abajo” (2016-2017) instalación que consiste en tres placas de cobre, de tamaño humano, impresas con imágenes que evocan al paisaje de la minería: en lo alto montañas rugosas que se juegan con la percepción del espectador, y abajo, el cobre brillante que sirve como soporte y al mismo tiempo como material significante. En continuidad con la idea de la materialidad presenta tres obras asociadas al cemento como material de la modernidad: “Perro negro” (fotografía análoga de un perro negro en un parque de cemento, 2015) y “Half cement” (díptico de fotografías de un cerro con naturaleza xerofita intervenido con cañerías y antenas; y un cerro bañado en cemento, 2017). El paisaje poscolonial se advierte en las obras “Kew´s” (fotografía del jardín botánico del Kew en Londres, 2018) y “El Elqui no quiere palmeras del puerto” (collage de fotografías de un cerro con palmeras superpuestas, 2020). El jardín botánico es un lugar que se apropia de la naturaleza y la domestica –el Kew Garden fue un proyecto del imperialismo británico–, pero aquí aparece a punto de quemarse. La amenaza del fuego se mezcla con la amenaza a la imagen por la sobreexposición, y también con una tercera amenaza: la mano humana que puede trasladar especies exógena como la palmera en un ecosistema que no le pertenece.
Por último “Mar” (2019) y “HalfWhole” (2019), cierran la exhibición y presentan dos fotografías, por un lado, el mar inmenso y de profundos colores, y por otro, la mitad del rostro de una persona. Ambas están completamente blancas en su mitad, al verlas juntas en la exhibición pareciera que la blancura es la juntura de ambas, como si tuvieran una conexión profunda e irreconocible.
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BORDAR EL BORDE

Bordar el Borde es un taller de bordado que forma parte del programa de mediación de CCU en el Arte, realizado durante el tiempo de pandemia por la artista visual Claudia Gutiérrez con vecinas de la comuna de Renca.
Esta experiencia realizada en conjunto con el departamento de cultura de la Municipalidad de Renca, tiene por objetivo, levantar en conjunto con los ciudadanos un imaginario propio del paisaje, validando la biografía de cada persona a partir de la técnica del bordado, valorizando así la producción manual de oficios tradicionales y domésticos que cruzadas con el aprendizaje y comprensión de los procesos de investigación y observación del arte permite visibilizar una identidad local de comunidades que habitan un territorio común.
Este programa de talleres proponen pensar y repensar el patrimonio inmaterial como un cuerpo social que hace gestión y construcción de una identidad, que en este caso, a través del lenguaje del bordado expresa las vivencias, las tradiciones y las características propias de estos territorios.
Por otra parte entrega un espacio fundamental a las comunidades de encuentro y diálogo que potencian y otorgan una experiencia que generan mejor calidad de vida. A partir del encuentro con pares se da espacio a la observación de las propias vivencias y del entorno común, lo cual a través de la enseñanza de la técnica y la observación de los procesos creativos dan vida a las obras que conforman esta muestra.
Finalmente esta experiencia grupal cobra mucha relevancia en este contexto de pandemia abriendo una ventana virtual de conversación y contención a personas que habitan un mismo territorio, comparten preocupaciones similares y sufren las mismas consecuencias del encierro.
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SIN DESCANSO

Ximena Zomosa presenta Sin descanso muestra que reúne trabajos desde 1997 hasta 2014, presentados en Santiago y Sydney. Registros de sus principales instalaciones, obras y fotografías que se concentran en la idea de la mujer y sus tareas domésticas en el contexto del encierro. Obras que van desde mechones de cabello sobre papel mural, marcos confeccionados con dulces, pelos que forman dibujos, hasta una acción de la artista registrada por la fotógrafa Paz Errázuriz. Conforman una exhibición que abre preguntas y reflexiones en torno a la idea de la mujer en sus distintos roles de: madre, contenedora, trabajadora, creadora y, en este caso, artista.